Exposición MEMORIA Y TRANSICIÓN por Cristina Arnedo

 Quiero compartir contigo este video que reúne las obras presentadas en mi exposición “Memoria y Transición”, realizada en el Centro Asturiano de la Ciudad de México. Fue una muestra muy especial para mí, donde reuní piezas que forman parte de mi trayectoria junto con una nueva producción creada con lana teñida con tintes naturales, tejidos, materiales reciclados y elementos de desecho.

A través de este recorrido visual podrás ver cómo cada obra dialoga con el concepto del tejido como memoria, como una forma de conexión entre lo personal y lo colectivo, entre lo que permanece y lo que cambia.

Esta exposición nació del deseo de reflexionar sobre los procesos de transformación —los míos y los de quienes me rodean— y sobre cómo el arte puede ser un puente entre pasado y presente, entre lo artesanal y lo contemporáneo.

Te invito a mirar el video con calma, dejarte envolver por las texturas y los colores, y, si lo deseas, compartir en los comentarios qué emociones o recuerdos te despierta.

🎥 Aquí te dejo el video completo de la muestra: 

Colectivo Por Amor al Arte: Códigos de Luz

El día de ayer tuve la grata experiencia de participar en la inauguración de la muestra colectiva por Amor al Arte: Código de Luz. 

Participo con varias de mis obras y estará disponible en exposición y a la venta del 5 al 18 de diciembre en la Galería DLonggi Art, ubicada en Alfonso Reyes #91, en la colonia Condesa, CDMX.

Les comparto un poco de la gran experiencia en el álbum que subí a a Facebook, aquí lo pueden encontrar

Líridas de Abril

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Las finas partículas interestelares tocan con las puntas de los pies, en silencio, los cielos de la Tierra. En esta obra, Cristina Arnedo levanta la mirada, a la par que los pinceles, para pintar el manto celeste alterado por las diminutas arenas galácticas. El Dr. Atl, postulaba el aeropaisaje y cosmopaisaje como una manera de acceder a la totalidad del universo. Él aclaraba que su tiempo correspondía al del aeropaisaje, pero que no descartaba ir más allá. De tal modo, la obra “Líridas de Abril” parece un ensayo en honor a las inquietudes intelectuales y artísticas del maestro Gerardo Murillo.

La artista se basa en las apariciones de seres lejanos que acarician la noche. El hilo conductor de muchos de sus cuadros es el estar y el no estar. En “Líridas de Abril” los meteoros son sigilosos protagonistas junto con la luz que permea la oscuridad. El espectáculo nocturno es breve, pero con infinitos encuentros y desencuentros de polvo cósmico. Cristina nos sensibiliza ante esta situación de descubrimiento y misterio con los otros, una dualidad que al colisionarse produce granos de arena análogos al tiempo transcurrido entre las convergencias y las divergencias de los seres.

Adriana Cantoral 

XSA por Adriana Cantoral

¿Cómo se podría representar el interior de un corazón palpitando desde el punto de vista afectivo? Cristina lo imagina detalladamente en cada una de sus paredes que laten y conducen la sangre del amor, la intensidad y la fuerza por todo el ser. La pintora se introduce en un corazón inquieto, vigoroso, noble, lleno de energía y a la vez tímido, tierno, prudente, introvertido y reservado. Desde este núcleo salen los sentimientos más alegres y pasionales. A veces fugaces, a veces duraderos, a veces contradictorios.

“XSA dentro de su corazón” alude a un corazón visto desde muy cerca hasta poder tocarlo y sentirlo. La perspectiva es alargada para poder percibir la vida que lo recorre y lo cambia de forma constantemente, ya que un corazón no necesariamente tiene figura de corazón, al contrario, es un órgano que se adecúa al estado de ánimo de la persona. Ningún corazón es igual a otro, ni siquiera éste adopta la misma silueta que alguna vez tuvo. Por ello, Cristina extiende sus rojos repasando los recovecos emocionales de un, aparente, músculo más del cuerpo.

La obra refleja la confluencia de los afluentes y torrentes emotivos. Hay un orden y un desorden en cada segundo, por el corazón dan vueltas infinitas los sentires y pensamientos del ser. En este lugar la sangre se compone de sensaciones excepcionales y anacrónicas.

Adriana Cantoral

Título: XSA, Dentro,de su Corazón

Técnica: Mixta, óleo sobre tel

Medida: 80 cm x 120 cm 

Bruma matinal por Adriana Cantoral

Esas penas y esas alegrías vienen embozadas en

una inmensa niebla de pequeños incidentes.

y la vida es esto, la niebla. La vida es una nebulosa.

Miguel de Unamuno, Niebla

Bruma entre un estado mental y otro. Bruma entre las emociones y los sentimientos. Bruma matinal incluye todas las transiciones anímicas y sensibles que se viven al despertar. Este levantar de la conciencia vislumbra lo más claro y puro. En la obra, Cristina nos muestra la primera impresión al abrir los ojos. La neblina de Arnedo no esconde nada, detrás de ella no hay más que niebla y más niebla.

La bruma no confunde tampoco, sino que te envuelve en su levedad para conectarte con la luminosidad que no molesta la vista. Un deslumbramiento tan tenue que se difumina con la nubosidad. La artista mantiene la luz en lugares que tranquilizan al ser. Asimismo, la transparencia es muy profunda como si se pudiera permanecer dentro del cuadro rodeado de nubes en las primeras horas del día.

Bruma matinal es el vapor que toca al cuerpo, el aliento que mueve a las emociones, el soplo que cambia los sentimientos y la respiración que agita la mente. 

Liu Bolin y su Camuflaje en México

La Ciudad de México vive un año intenso en el ámbito del arte y también ha sido testigo de visitas extraordinarias como el del artista y fotógrafo de origen chino Liu Bolin, quién exhibe su muestra “Camuflaje” en la Galería Oscar Román y en el Hotel Presidente Intercontinental.

Además de presentar dos performances (20 y 28 de enero) realiza una exposición que comprende piezas escultóricas y una serie fotográfica que  permanecerá hasta el 20 de marzo dividida entre la mencionada Galería Oscar Román y el Hotel Presidente Intercontinental.

Un performance con inspiración social

La realización de un performance puede tomar hasta 10 horas. Con la ayuda de asistentes, Bolin se coloca en escena con  su cuerpo vestido para que coincida con una parte del fondo elegido. Antes de fotografiarse a sí mismo dentro de la escena, tiene que haberse obtenido un camuflaje perfecto con los objetos y paisaje  y el fondo.

Cada sitio elegido por Bolin para realizar su camuflaje tiene un sentido especial, como un espacio histórico o citadino y tiene un significado o sugiere un cambio social. El artista busca establecer un diálogo con quienes habitan esos lugares,  lograr cierta identificación con sus espectadores y que formen parte del paisaje urbano. Por ejemplo los fondos donde se  aprecian símbolos de la Revolución Cultural de China donde plasma la situación en ese país desde la caída del régimen de Mao Zedong

Bolin es conocido por presentar imágenes y paisajes urbanos llenos de color, con símbolos de protesta dentro de los que él se mimetiza y hace invisible. Para el artista chino el arte suele transmitir sensaciones únicas y por medio del color, formas y trazos cada pieza es única e irrepetible.

Lui forma parte de una generación de artistas que presenciaron la liberación de China y los cambios desencadenados, propone una crítica al Estado y expone los excesos del poder del gobierno y las carencias de la sociedad.

“Mi trabajo no puede ser calificado como político o disidente; yo lo hago sólo porque lo siento, si alguien lo ve como político es libre su percepción, pero no es la intención que yo tengo. Yo elijo los lugares que me afectan, que tocan mis emociones” Liu Bolin

Su formación comenzó en el Instituto de Artes de Shandong, para después estudiar una maestría en Escultura de la Academia Central de Bellas Artes de Pekín.

Ha expuesto en numerosas galerías y salas de museos de países como China, Alemania, Francia, Suiza, España, Ucrania y Estados Unidos, y este año llegó a Latinoamérica, primero en Caracas, Venezuela y a finales de enero a México.

Tuve la fortuna de poder asistir al performance el pasado día 28 en el Hotel Intercontinental y fue una experiencia realmente inolvidable y enriquecedora. En esta ocasión Bolin decidió hacer un homenaje a las máscaras aztecas, eligió un tema muy mexicano y actual, la lucha y los luchadores, y como fondo para la foto preparó una pared con 347 máscaras de luchadores mexicanos, todas auténticas. Las máscaras forman parte de la colección de Christian Cymet, coleccionista y aficionado que durante 30 años ha reunido más de 1,300 máscaras.

La ropa que utilizó Bolin durante el perfomance ya había sido pintada por artistas mexicanos antes de iniciar y lo que pudimos ver en vivo fue la fase final de la preparación, la aplicación de la pintura  en la cara del artista para la foto definitiva.

Realmente fue muy interesante presenciar como poco a poco Bolin se mimetizaba hasta quedar completamente perdido en el fondo. La foto final,  propiedad del artista, tomada totalmente de frente será presentada más adelante y en  esa toma dónde realmente se puede apreciar el camuflaje total.

Además de posar, Bolin está constantemente involucrado en el proceso y revisando la pantalla de la computadora que le muestra la imagen para la foto.

Para completar el tema de las luchas los invitados especiales fueron  unos luchadores mexicanos reales y muy conocidos; Tinieblas, Huracán Ramírez Jr., Tinieblas Jr., Marabunta Jr., y el Ángel del Amor, desde luego acompañados por el Aluche, mítico personaje maya que acompaña siempre a Tinieblas.

Dónde

Galería Oscar Román (Julio Verne 14, Polanco Miguel Hidalgo, Ciudad de México).

Lobby Hotel Presidente Intercontinental

Más información:

http://www.galeriaoscarroman.mx/

liubolinart.com 

50 años que conmemoran el orgullo nacional

Vivir o visitar la Ciudad de México y no asistir al Museo Nacional de Antropología es como desconocer uno de los emblemas nacionales más grandes y hermosos. El recinto que recibe más de 2 millones de visitas al año está catalogado como uno de los diez mejores a nivel mundial, con reconocimiento de  grandes artistas.

Hoy el Museo se ha convertido en un centro de cultura, referencia para los capitalinos. Conocido por las exposiciones permanentes y temporales que ha albergado por 50 años, el museo  inaugurado un 17 de septiembre a cargo del arquitecto Pedro Ramírez Vázquez, gran impulsor de la muestra  y protección de los tesoros nacionales. Para ello diseñó el espacio digno que alberga 8,000 piezas en exhibición y otras 120,000 en bodegas.

El museo cuenta con  45 mil m2 construidos, de los cuales 30 mil corresponden a las áreas de exhibición, un recorrido total de 5.5 km. El resto de los espacios corresponden al área académica.

Los 50 años del museo que nos hace sentir orgullosos mexicanos, se piensan celebrar en grande, con festejos, restauraciones y la conclusión de la obra de un muro de cráneos que protege el recinto. El gran artista Manuel Felguérez es el responsable de dicha obra y  se inspiró en el prehispánico Tzompantli; el cual significa “muro, hilera o bandera de cabezas” y era un elemento frecuente en las culturas Mesoamericanas, quienes exhibían los cráneos de sus enemigos o ajusticiados en los principales centros ceremoniales como ofrenda al Dios Tezcatlipoca.

El Tzompantli más que un elemento decorativo, era muestra del poder político, militar y religioso que alcanzaron los aztecas.

La obra se titula “Muro de calaveras” y fue iniciada en 2009 con 135 metros y en la actualidad alcanza los 200 metros sobre Paseo de la Reforma. Previamente autorizada por Pedro Ramírez Vázquez, quien invitó al artista zacatecano a crear una pieza que protegiera y brindará la imagen que buscaba del Museo. La pieza respeta la arquitectura del edificio así como la visibilidad del recinto, logrando controlar el acceso.

Para la celebración del Museo fundado en 1964 la obra llegará hasta la fuente de Tláloc. Esta pieza complementa la primera celosía metálica que realizó Felguérez para el Patio Central, inspirado en la serpiente.

El 2014 es un año grande para uno de los museos con mayor reconocimiento a nivel mundial, que ha albergado colecciones de artistas reconocidos y atesora nuestro orgullo mexicano. Labores de limpieza y restauración del acervo de arte contemporáneo son otras acciones que se realizan para celebrar 50 años de historia. En estos días se concluye la obra de restauración y conservación de la gran escultura de Tláloc que flanquea el acceso al Museo Nacional de Antropología.

 Museo Nacional de Antropología 

http://www.mna.inah.gob.mx/index.html

Ai Weiwei en México. Museo Nacional de Antropología

Algunas personas dicen que quién visita la ciudad de México y no conoce el Museo  Nacional de Antropología, no conoce realmente el país  y tal vez tengan razón, porque es nuestro pasado lo que nos define y sin entenderlo, no podemos comprender el presente.

Visitar el Museo de Antropología es para mí siempre una experiencia  fascinante;  enfrentar, redescubrir y recordar nuestra historia, nuestras raíces y pasado glorioso me emociona y enorgullece. 

Ayer  puede disfrutar el museo  una vez más pero  en esta ocasión no fui a hurgar en el pasado sino a disfrutar de la exposición del artista Chino Ai  Weiwei  "Círculo de Animales. Cabezas del  Zodíaco".

La muestra de esculturas de bronce de 350 kilogramos,  está inspirada en el zodiaco chino que realizó en 2010  y representa las doce esculturas que formaban parte de los jardines de Yuan Ming Yuan (Rata, Buey, Tigre, Conejo, Dragón, Serpiente, Caballo, Cabra, Mono, Gallo, Perro y Jabalí) . La muestra se ha presentado en varias ciudades de Europa, Asia y América.

Cada pieza se monta en una base de mármol o pedestales también de bronce que, a la vez, se colocan una tras otra en referencia al zodiaco tradicional chino.

Las cabezas están colocadas en el patio principal del museo,  y con ese marco magnífico  lucen espectaculares,  demostrando  de manera simbólica que las diferentes culturas pueden convivir de manera armoniosa y respetuosa.

La fundación AW Asia y el curador de la muestra Larry Warsh son responsables de la presentación  y de traer la muestra del artista chino a México.  La exposición permite al espectador a entablar un diálogo entre culturas y apreciar el mundo contemporáneo mezclado con la cultura milenaria.

El artista y disidente chino Ai Weiwei  es reconocido por su crítica del gobierno chino y la falta de libertad de expresión, así como a las medidas de censura, distribución económica y las prácticas de autoritarismo en general.  Esta muestra de cabezas es una crítica al saqueo de las cabezas originales y bienes culturales de su país.

En 1978 el artista se convirtió en una de los primeros integrantes de The Stars, uno de los grupos de arte de vanguardia en la China moderna; en 1993 fundó el Archivo de Arte de China y de almacenes, una galería sin fines de lucro en Pekín que aún dirige.

La exposición de Ai Weiwei es parte de la celebraciones del Museo por sus 50 años y permanecerá hasta finales de este año, no pierdan la oportunidad de visitarla y de pasada disfrutar ese tesoro de México que es el Museo Nacional de Antropología.

Les comparto un fotografías de la muestra en el Museo de Antropología.  (Link)

Más información: http://www.mna.inah.gob.mx/index.html 

Noche de inauguración en el Museo de la Cancillería

El pasado 24 fue noche de fiesta e inauguraciones en el Museo de la Cancillería; el antiguo oratorio de San Felipe Neri lucía magnífico, iluminado, lleno de flores y celebrando la inauguración de tres exposiciones, en una de las cuales tengo el gusto de participar.

Tres exposiciones cuidadosamente montadas  con excelente curaduría de Wesley Sainz Anaya. La primera  muestra la obra de la pintora y grabadora Nunik Sauret, con formación académica en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura La Esmeralda y el Taller de Grabado Molino Santo Domingo. La exposición titulada “Huellas”  refleja su investigación en torno a técnicas tradicionales japonesas mezcladas con técnicas alternativas del grabado. La obra de Nunik Sauret busca plasmar los rasgos que van desde lo más íntimo y reflexivo del ser humano. Para la artista el grabado es su medio de expresión, la huella que encontramos en cada pieza.

Con una trayectoria de más de cuarenta años, Nunik ha realizado más de 100 exposiciones individuales y 400 exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional. Podemos encontrar su obra en 26 museos como el Metropolitan Museum Arte Center de Miami y el Museum of Contemporary Hispanic Art de Nueva York.

FOTO: El Universal, cortesía Rogelio Cuéllar

 La segunda exposición corresponde al maestro Hermenegildo Sosa, originario de Tlaxcala y egresado de La Esmeralda el paisajista cuenta con 123 exposiciones colectivas y 64 individuales. Hermenegildo Sosa es considerado uno de los paisajistas más importantes del siglo XX, exhibiendo permanentemente en la Sala de Paisajistas Contemporáneos del Museo José María Velasco, en el Estado de México. Es miembro honorífico y activo del Salón de la Plástica Mexicana.

"Color de México"  es el nombre de la exposición que se presenta en el Museo de la Cancillería y plasma a una tierra con su belleza y desastres. Para Sosa la estética radica en despertar emociones y eso quiere lograr con el  espectador al observar sus lienzos. Esta muestra es un homenaje a la naturaleza y al acercamiento a un país y su tierra.

Foto: Cortesía Radiografiainformativa.com

La tercera exposición es la colectiva "Alteraciones"  en la que participo junto con Francisco Coronado, Jag Sánchez,  Arturo Valencia.

Francisco Coronado

Inicia su formación en La Esmeralda y su producción plástica se enfoca en pintura, aunque ha desarrollado otras disciplinas como escultura, ensamble, instalación y performance. Cuenta con diferentes reconocimientos y ha participado en exposiciones individuales y colectivas como la Figuration Contemporary Art from Cutting Edge International en Nueva York.

Arturo Valencia

Egresado de la carrera de Diseño de la Comunicación Gráfica en la Universidad Autónoma Metropolitana con una maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos. Su trabajo refleja una integración plástica.

 Jag Sánchez

Estudió talleres en la Academia de San Carlos y Bellas Artes en la Ciudad de México. Se especializa en pintura y diversas técnicas materiales. Con reconocimientos y participaciones dentro y fuera del país, su obra es parte de varias colecciones particulares como la Galería Fenton de París en Seattle, Estados Unidos.

Las tres exposiciones permanecerán en el Museo de la Cancillería hasta finales de julio.

Es un gusto y un gran honor poder compartir este espacio maravilloso con todos estos grandes artistas a los cuales felicito de todo corazón. Agradezco una vez más al Museo de la Cancillería,  al Embajador Alfonso de Maria y Campos,  a la maestra Natalie Gama Pourdanay, y a todos las personas que laboran en el museo e hicieron posible esta exposición.

Donceles 66: encuentro y conversación

Donceles 66 es un espacio que invita al encuentro cultural, un intercambio de ideas pero sobretodo es una plataforma para impulsar y permitir la expresión de nuevos artistas.

Ubicado en la antigua sede de la Academia Mexicana de la Lengua, Donceles 66 es el lugar perfecto que fusiona la tradición e historia con la innovación y creatividad. Las actividades culturales llenan cada espacio de esta casona colonial, construida en 1756.

Con una librería, biblioteca, café restaurante y salones, Donceles 66 brinda  la oportunidad a nuevos talentos para mostrar sus obras e interactuar con sus visitantes. El calendario de actividades es el reflejo del interés que muestran por presentar a los diferentes artistas plásticos, músicos y escritores de la ciudad.

Donceles 66 es el espacio cultural donde las actividades como presentaciones de libros, exposiciones de pintura y escultura, conciertos, cine y teatro no faltan. Una agenda llena de cultura y oportunidades para vivir el arte en su máxima expresión.

Excelente oportunidad para vivir un momento diferente y romper la rutina, Donceles 66 es el punto de encuentro para aquellos amantes del arte.

Agradezco profundamente la invitación que me hizo Maximiliano Grego, director de Donceles 66 para montar una exposición individual es este espacio rico en arte y cultura. El título de dicha exposición será ENCUENTROS y se inaugura el  próximo 21 de junio.

En su sitio oficial, pueden encontrar toda la información y  el  calendario de actividades : http://www.donceles66.com.mx/web/

Petite Maman. Louise Bourgeois

La sensación de estar parada bajo la Araña es a la vez fantástica y sobrecogedora. Desde hace unos meses la explanada de Bellas Artes cuenta con la presencia de esta  imponente obra  de más de 10 metros de altura y más de 10 toneladas de bronce y acero. Una pieza que logra captar la atención de miles de visitantes que transitan por Bellas Artes  y que en algunos causa miedo e impresión.

La araña, que para muchos es símbolo de terror, para Louise Bourgeois (1911-2010) representaba una metáfora de su madre- tejedora y protectora.

La araña es una oda a mi madre. Ella era mi mejor amiga. Como una araña, mi madre era una tejedora. Mi familia tenía un negocio de restauración de tapices y mi madre estaba a cargo del taller. Como las arañas, mi madre era muy inteligente. Las arañas son presencias amistosas que se alimentan de mosquitos. Todos sabemos que los mosquitos propagan enfermedades y, por lo tanto, son indeseables. Así, las arañas son útiles y protectoras, al igual que mi madre”, escribió alguna vez Bourgeois.

Maman, como se titula la obra , es una de las 75 piezas que se presentan en el Museo del Palacio de Bellas Artes desde el pasado mes de noviembre. La exposición de Louise Bourgeois, Petite Maman incluye pinturas, trabajos en papel y tela, esculturas, impresiones, dibujos y gouaches, está curada por Philip Larrat- Smith, quien menciona que la suavidad y la tibieza de los materiales empleados por Bourgeois sugieren un ambiente seguro y cerrado, una cuna o una matriz, como si retornara a su orígenes.

Aunque recientemente se exhibió la obra de Bourgeois en México, en la exposición  Wonderland, mujeres surrealistas, que montó el Museo de Arte Moderno; la muestra en el Museo del Palacio de Bellas Artes es única y en esta ocasión se presentan los diferentes estilos, transformaciones  y perspectivas que tuvo la artista a lo largo de su vida.

Las obras realizadas en los últimos años de su vida reflejan su atracción por lo fraterno, maternal, el rol de la mujer y la psicología femenina. Sus frustraciones y temores quedaron plasmados en sus obras y por primera vez tendremos la oportunidad de apreciar una exposición de este tipo hasta el 9 de marzo en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

Los datos que no podemos dejar pasar:

• ·      La escultura de la araña titulada Maman (1999), ubicada en la explanada del Palacio de Bellas Artes, mide casi 10 metros de alto y más de 10 toneladas de peso. Cada pata pesa mil 250 kilogramos.
• ·      Dos grúas, un equipo de ingenieros y muchas horas trabajo fueron necesarias para el montaje de la escultura de acero y bronce de 8 patas y 20 huevos de mármol.
• ·      Algunas de las obras que podemos encontrar en Petite Maman son: Araña (1997), Mujer embarazada (2003), Femme Maison (1946-1947), Guarida (1963), Madre e hijo (1970) y Celda (2006).
• ·      En la exposición vamos a encontrar mesas de discusión, pláticas con especialistas, talleres y  podemos conocer a detalle los materiales y procesos de producción de la artista.
• ·      HORARIOS Y PRECIOS: De martes a domingo, hasta el 09 de marzo de 2014 10:00 - 17:30 hrs.
• ·      Costo: $45.  Los días martes y sábados entrada libre para maestros, estudiantes y adultos mayores. Los domingos el acceso es gratuito.

Creo que es una exposición que no se debe perder, no solo por vivir la experiencia de estar entre las patas Petite Maman, sino por poder adentrarse en el mundo interno de Louise Bourgeois, ese mundo contrastante, complicado, femenino y siempre fascinante.

Les comparto las fotografías de mi visita Álbum Petite Maman  

Con información de:

Cultura Colectiva

La Jornada

Conaculta

Zona MACO 2014. La feria de arte contemporáneo en México

Este año se celebra la décimo primera edición de Zona MACO, un espacio dedicado a la exhibición del arte contemporáneo, que se ha consolidado como el más importante en América Latina.

La feria se realizará del 5 al 9 de febrero, en el Centro Expositor Banamex y espera contar con más de 40,000 visitantes, entre exponentes, curadores y participantes. Por primera vez pondrá al a venta obras de los artistas Pablo Picasso, Joan Miró y Alexander Calder.

Un espacio que nos permite admirar la muestra de 137 galerías provenientes de 21 países; Zona MACO es el punto de encuentro que invita a la reflexión y apertura por medio del arte, la gastronomía y la lectura.

"Del continente es sin duda la más arriesgada y la más importante” Pablo del Val, director artístico de Zona Maco.

En esta edición Zona MACO está conformada por 5 secciones: Principal, Nuevas Propuestas, Zona MACO Sur, Arte Moderno y Diseño.

Sección Principal:  Conformado por las galerías nacionales e internacionales de mayor trayectoria, los participantes fueron seleccionados por parte de un jurado integrado por: José García (PROYECTOS MONCLOVA, México DF), Patricia Ortiz Monasterio  (GALERÍA OMR, México DF) y Ben Loveless (GALERIE NORDENHAKE, Berlín/Estocolmo).

Nuevas Propuestas: Un espacio dedicado para los artistas emergentes que viven o se relacionen con América Latina, los participantes son menores a los 35 años de edad.  La sección está a cargo de la curadora Mirjam Varadnis de Zurich.

Zona MACO Sur: Sección que se realiza por sexta ocasión y está a cargo del curador Juan A. Gaitán. Por medio de este espacio se busca establecer un diálogo que invite a la reflexión sobre la colectividad y el mundo.

Arte Moderno: La Sociedad Anónima, fundada en 1920 por Katherine Dreier, Marcel Duchamp y ManRay,   es el referente para esta sección de la feria. Por segundo año se realiza  y se abre a la presentación de arte moderno internacional de la primera mitad del siglo XX.

A cargo de la curaduría de Montserrat Albores Gleason.

Diseño: Sección realizada por tercer año consecutivo, cuyo finalidad es presentar trabajos de estudios y galerías de México y Estados Unidos. El objetivo es producir ediciones limitas de objetos utilitarios que favorezcan el mercado de diseño en México y el mundo. (Vía Cultura Colectiva).

Zona MACO 2014, el espacio innovador, que se arriesga y apuesta por la muestra y venta de arte contemporáneo. Un espacio que muestra al mundo el arte de América Latina.  

Uno de los máximos impulsores del arte contemporáneo, no sólo en México, sino en el resto del mundo. El punto de encuentro entre coleccionistas, artistas y un gran público que espera impaciente cada edición.

Consulta el programa de eventos, conferencias y presentaciones en:

http://zonamaco.com/pages/inicio/conferencias.php

Les comparto unos datos que Cultura Colectiva publicó en su portal sobre Zona MACO 2014.

ZONA, MACO HECHOS Y NÚMEROS:

·      137 Galerías de 21 países diferentes

·      71 Galerías en Sección Principal

·      19 Galerías en Nuevas Propuestas

·      21 Galerías en Zona MACO SUR

·      6  Galerías en Arte Moderno

·      22 Galerías en Diseño

“Suelta el Pasado” , “Cierra el Ciclo” y “Déjalo Ir”- Museo de las Relaciones Rotas

Durante mi estancia en Zagreb, Croacia, el verano pasado conocí el  MUSEO DE LAS RELACIONES ROTAS, un pequeño museo con una interesante  colección de objetos  donados por personas que han pasado o están pasando por el dolor de una ruptura amorosa y que de alguna manera encuentran consuelo dejando al público una evidencia de su relación. Cartas, recuerdos, llaves, juguetes eróticos y un sin fin de objetos componen esta colección que ha  visitado diferentes ciudades como: Houston, Denver, Buenos Aires, París y Londres, entre otras,  y por primera vez se presentará en la Ciudad de México donde  sus espectadores tendrán la oportunidad de participar, donando aquel objeto que los une a una relación rota. 

El proyecto del Museo De Las Relaciones Rotas nació con Olinka Vištica y Dražen Grubišic, quienes tras separarse decidieron hacer algo antes de olvidarse el uno del otro. Buscaron el cierre al cambiar la perspectiva negativa del final de su historia, como explicaron “pasas años con una persona y eres feliz y luego te separas; sin duda hay recuerdos dolorosos, pero pasado un tiempo hay que hacer algo por conservar la memoria de aquello que fue bueno”.

En 2011, El Museum of Broken Relationships recibió el Premio Kenneth Hudson del European Museum Forum, título otorgado aquel museo, persona o grupo de personas que desafíe el papel que tienen los museos en la actualiadad.

“Suelta el Pasado” , “Cierra el Ciclo” y “Déjalo Ir”

México formará parte de la colección de Las Relaciones Rotas y El Museo del Objeto del Objeto, MODO, ubicado en Colima 145, en La Roma (Ciudad de México) será la sede para mostrar aquellos objetos que en un momento fueron parte de una relación y ahora forman parte de una colección llena de sentimientos encontrados.

Cada país donde se presenta la colección tiene la oportunidad de donar objetos, logrando una combinación social y cultural única. Esta ocasión los objetos se deberán entregar en el museo a partir del 8 de enero al 16 de febrero y es necesario llenar un formato de donación que pueden descargar en la página del museo http://elmodo.mx/dejalo-ir-suelta-el-pasado-cierra-el-ciclo/ . La exposición se presenta el 12 de marzo en el MODO y los objetos no serán devueltos para que continuen su recorrido a lo largo del mundo.

Casi todos hemos pasado durante nuestra vida por la ruptura de una relación y aunque la relación puede ser con familiares o amigos,  el museo trata específicamente las relaciones de amor, esas llenas de pasión y emociones que sacuden el corazón. Los rompimientos son muy dolorosos y dejan casi siempre un vació importante en la vida de las personas sin embargo como casi todos sabemos, se superan y poco a poco la vida y el corazón recuperan su color y temple.

Me llamó la atención un rincón que el museo dedica a los rompimientos a través de redes sociales. Antes que estas existieran, ante un rompimiento,  lo que hacía cualquier persona con una salud emocional medianamente razonable era cortar los lazos,  meter distancia y alejarse sanamente para permitir que las heridas  sanaran. Desde luego que como en otras temas "twitts vemos, corazones no sabemos", es decir, la cara pública no siempre corresponde a lo que en verdad se siente, pero ciertamente las redes permiten seguir, aunque sea a la distancia la vida de los demás. Por lo tanto, hoy en día se requiere de mucha cordura y una enorme fuerza de voluntad para romper un lazo y alejarse de una persona después de una separación. Las redes sociales, los teléfonos móviles, Skype,  los mensajes gratuitos, en fin, toda lo que hoy en día facilita la comunicación, también hace más complicada una separación. Se podría escribir todo un tratado al respecto," EL AMOR EN LOS TIEMPOS DEL TWITTER" (sin ofender al maestro García Márquez) lo llamaría yo, y los  pleitos a través de mensajes gratuitos, Whatsapp incluido, merecerían un capítulo aparte.

Sería interesante  saber cómo ha seguido la vida de las personas que donaron objetos al museo, si sus heridas, como es lógico y natural, sanaron o si de manera autodestructiva siguen llorando al pasado, apegados al recuerdo doloroso y viviendo de historias de amor eterno que solo sobreviven solo  en la mente. Sinceramente espero que no, que hoy sonrían y nuevas ilusiones los acompañen y les permitan gozar de esta vida que es hermosa y disfrutable y que en sus mentes y corazones solo quede el recuerdo de lo que fue bonito, bueno y  alegró su corazón.

Dejo aquí algunas fotos de este pequeño e interesante museo.