Exposición MEMORIA Y TRANSICIÓN por Cristina Arnedo

 Quiero compartir contigo este video que reúne las obras presentadas en mi exposición “Memoria y Transición”, realizada en el Centro Asturiano de la Ciudad de México. Fue una muestra muy especial para mí, donde reuní piezas que forman parte de mi trayectoria junto con una nueva producción creada con lana teñida con tintes naturales, tejidos, materiales reciclados y elementos de desecho.

A través de este recorrido visual podrás ver cómo cada obra dialoga con el concepto del tejido como memoria, como una forma de conexión entre lo personal y lo colectivo, entre lo que permanece y lo que cambia.

Esta exposición nació del deseo de reflexionar sobre los procesos de transformación —los míos y los de quienes me rodean— y sobre cómo el arte puede ser un puente entre pasado y presente, entre lo artesanal y lo contemporáneo.

Te invito a mirar el video con calma, dejarte envolver por las texturas y los colores, y, si lo deseas, compartir en los comentarios qué emociones o recuerdos te despierta.

🎥 Aquí te dejo el video completo de la muestra: 

FIRMAR

Imagino que firmar una obra para un pintor es como poner el punto final a una novela para un escritor.

Firmar una obra para muchos artistas es un proceso engorroso, yo me incluyo. Pero plasmar tu nombre en una obra terminada, más allá de ser un momento  complicado o un acto de posesión, para mí implica la culminación de muchas horas de esfuerzo y dedicación en el proceso de creación de una pieza.

Desde el momento en que algo me inspiró o movió mi  imaginación, dar forma a la idea, decidir la técnica, materiales, y la gama de colores que usaré y luego todas las horas trabajando en el taller, horas que a veces transcurren fluidas y fáciles y otros veces no fluyen, se complican y requieren más tiempo y hasta días para despejar la mente y recomenzar con nuevas ideas.

Así que para mi, firmar una obra terminada es una forma de decir: este es mi trabajo, bueno o malo es el resultado de mis sueños e imaginación, de mi esfuerzo, tiempo y dedicación.

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AUSENCIAS

La vida es cambio, estaciones que transcurren, ciclos que terminan y otros que empiezan, renovación constante… 

Hace poco más de 6 meses cuando hice la primera de estas fotos comparativas, admirando la belleza invernal de este paisaje cubierto de nieve, no imaginaba que volvería a estar aquí en verano. Tampoco imaginaba los cambios que ocurrirían en mi vida en esos meses, las ausencias, los sueños rotos, los huecos dejados por aquellos que se alejaron y también la luz que trajeron los que llegaron y los que permanecen. 

Dichos huecos son como los árboles que caen durante el invierno, dejan un gran vacío en el bosque (o el corazón) y los restos de sus troncos en la tierra permanecen por largo tiempo como un recuerdo del que ya no está.

Durante el invierno, la nieve lo cubre todo y es difícil apreciar la magnitud del los daños, los árboles caídos o talados, los espacios vacíos y los huecos dejados por los árboles faltantes.

Igual que en estas fotos, el tiempo hará su labor en el bosque y pronto ese espacio vacío se llenará de flores y nuevos brotes, justo como a nuestra vida llegan nuevos sueños y personas, aunque el hueco que deja la ausencia permanecerá ahí por siempre. Algunos daños son irreparables y hay vacíos que nunca se llenan.

Cristina

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Barro: Un sueño alcanzado, participar en un taller de cerámica

Hace días por fin hice algo con lo que soñaba, trabajar con barro.

Sentir su untuosa suavidad y delicadeza,  moldearlo, disfrutarlo... en fin, aprender algo nuevo con todo lo que implica la novedad  para el proceso creativo, un reto y un gozo.

Trabajar el barro con las manos es una experiencia sensorial y sensual, es entrar nuevamente en contacto con la tierra, la madre que acoge y envuelve, anclarse y recibir  su fuerza vital. Es un reencuentro con nosotros mismos y nuestra más primaria esencia.

Queda un largo camino por recorrer con toda certeza estará lleno de retos y momentos divertidos y memorables.

Muchas gracias a www.tallercontorno.com

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Javier Marín CORPUS TERRA

Javier Marín presenta en el Antiguo Colegio de San Ildefonso y el Palacio de Cultura de Banamex su selección de esculturas que revisa dos decádas de su trayectoria profesional.

Curada por el maestro Ery Camara, Coordinador de Exposiciones del Antiguo Colegio de San Ildefonso, retoma el concepto del proceso como eje disrcusivo.

La muestra reúne una cidadosa selección de 48 obras, producidas de 1998 a 2015. Esculturas e instalaciones de distintas dimensiones y materiales como el bronce, la madera, la resina de políester y mezcalas de materiales orgánicos e inorgánicos, que reintrepretan la figura humana y revelan el gusto del autor.

Tuve la oportunidad de visitar e interactuar con Javier Marín, les comparto el albúm. 

Lo puedes apreciar en el Antiguo Colegio de San Ildfonso y en el Palacio de Cultura de Banamex hasta el 20 de marzo. 

Feliz Año Nuevo, Cristina Arnedo

Hilos luminosos

“Necesito del mar porque me enseña” Pablo Neruda

El polvo de los pigmentos minerales y vegetales que con otras sustancias se convierte en óleo vuelve a su estado natural en “Hilos luminosos”, pues si bien Cristina utiliza pintura y otros elementos en la obra, el resultado final aparenta ser un espacio arenoso con surcos antiguos. Como si se tratara de una bahía por donde han caminado infinitas historias. Las estelas de la arenilla se hacen visibles con la sal marina y los componentes del agua ancestral.

El mar, en su frecuente vaivén, pacientemente va revelando los hilos argumentativos de los personajes que alguna vez los vivieron. Cristina en calidad de artista, pero sobre todo de observadora sensible ve destellos en estas marcas de la arena, porque en un pasado tuvieron uniones y separaciones que hoy por hoy siguen brillando, pese al paso de los años. Para que exista la luz en los pequeños filamentos de la playa es necesario que el océano se agite de emociones diversas y las infunda sobre la arena.

Por Adriana Cantoral 

 

XSA por Adriana Cantoral

¿Cómo se podría representar el interior de un corazón palpitando desde el punto de vista afectivo? Cristina lo imagina detalladamente en cada una de sus paredes que laten y conducen la sangre del amor, la intensidad y la fuerza por todo el ser. La pintora se introduce en un corazón inquieto, vigoroso, noble, lleno de energía y a la vez tímido, tierno, prudente, introvertido y reservado. Desde este núcleo salen los sentimientos más alegres y pasionales. A veces fugaces, a veces duraderos, a veces contradictorios.

“XSA dentro de su corazón” alude a un corazón visto desde muy cerca hasta poder tocarlo y sentirlo. La perspectiva es alargada para poder percibir la vida que lo recorre y lo cambia de forma constantemente, ya que un corazón no necesariamente tiene figura de corazón, al contrario, es un órgano que se adecúa al estado de ánimo de la persona. Ningún corazón es igual a otro, ni siquiera éste adopta la misma silueta que alguna vez tuvo. Por ello, Cristina extiende sus rojos repasando los recovecos emocionales de un, aparente, músculo más del cuerpo.

La obra refleja la confluencia de los afluentes y torrentes emotivos. Hay un orden y un desorden en cada segundo, por el corazón dan vueltas infinitas los sentires y pensamientos del ser. En este lugar la sangre se compone de sensaciones excepcionales y anacrónicas.

Adriana Cantoral

Título: XSA, Dentro,de su Corazón

Técnica: Mixta, óleo sobre tel

Medida: 80 cm x 120 cm 

Trama y Urdimbre

La vida está formada por ciclos,

aunque en realidad se entrelazan

y todo encuentro es en sí mismo

un ciclo y muchos ciclos comienzan

por un encuentro.

Cristina Arnedo

La relación entre los ciclos, los encuentros y los duelos no sigue un proceso lineal en la vida. Todos llevamos en el alma encuentros que no se pueden perder en la memoria, y vuelven una y otra vez al presente, o ciclos inconclusos. En ocasiones un encuentro nuevo es suficiente para finalizar algunos ciclos para siempre. Otras veces, un duelo desata ciclos y encuentros actuales. No hay un orden lógico para los ciclos, encuentros y duelos, éstos dependen del tiempo del espíritu.

En esta obra Cristina nos comparte las presencias silenciosas que la acompañan en su labor creativa; materiales que están en sus obras, pero no son visibles, tales como resinas y minerales, entre otros. Las tramas naturales de las ramas representan los accidentados caminos de los ciclos, encuentros y duelos. Es sin duda, una pieza donde la artista pone al desnudo sus miedos, amores, alegrías y tristezas de una forma bella y estética.

Bruma matinal por Adriana Cantoral

Esas penas y esas alegrías vienen embozadas en

una inmensa niebla de pequeños incidentes.

y la vida es esto, la niebla. La vida es una nebulosa.

Miguel de Unamuno, Niebla

Bruma entre un estado mental y otro. Bruma entre las emociones y los sentimientos. Bruma matinal incluye todas las transiciones anímicas y sensibles que se viven al despertar. Este levantar de la conciencia vislumbra lo más claro y puro. En la obra, Cristina nos muestra la primera impresión al abrir los ojos. La neblina de Arnedo no esconde nada, detrás de ella no hay más que niebla y más niebla.

La bruma no confunde tampoco, sino que te envuelve en su levedad para conectarte con la luminosidad que no molesta la vista. Un deslumbramiento tan tenue que se difumina con la nubosidad. La artista mantiene la luz en lugares que tranquilizan al ser. Asimismo, la transparencia es muy profunda como si se pudiera permanecer dentro del cuadro rodeado de nubes en las primeras horas del día.

Bruma matinal es el vapor que toca al cuerpo, el aliento que mueve a las emociones, el soplo que cambia los sentimientos y la respiración que agita la mente. 

Encuentros II por Adriana Cantoral

En “Encuentros II” Cristina Arnedo nos evoca el tono de la piel conformado por el polvo primigenio divino, en este caso, marmolina clara entre mezclada con veladuras de óleo. La artista posee la paciencia de ir haciendo las capas dérmicas, destacando varias heridas juntas. Las distintas cicatrices se superponen unas encima de otras y cruzan sus bordes.

La piel es testimonio de las vivencias emocionales y pasionales. La pintora nos muestra diversas marcas; azules que alguna vez representaron tristeza, magentas que implicaron alegría, verdes que simbolizaron esperanza y amarillos que depuran la vida. Es inevitable no albergar señales en el cuerpo.

Observar la piel y reconocer las cicatrices, así como sus colores y formas, implica un modo de autoconocimiento, pues éstas conllevan un vasto significado a través del tiempo. Las heridas pueden permanecer en la superficie, pero su profundidad dependerá de cada persona y de su manera de percibir y asimilar los sentimientos.

Cristina Arnedo devela el poder de los rastros de la piel, los cuales suelen esconderse por no ser estéticos, sin embargo, ellos pintan en el ser la belleza y la plenitud de sentir intensamente la vida. Las heridas que plasma la creadora no están cauterizadas, están vivas y son sensibles al encuentro con uno mismo.

Adriana Cantoral

Urdimbre III por Adriana Cantoral

La voz del extravío, espesa urdimbre
que la luna evapora, soy la sombra
y la sed, soy la lengua y no sabría
de qué modo se escriben los poemas.

Aurelio Asiain

Un hilo rojo se desliza por la pesada y opaca urdimbre de la vida dejando una estela invisible de palabras tal como lo describe Asiain. En esta obra, Cristina Arnedo nos hace reflexionar sobre los brillantes filamentos fugaces que intentan hilvanarse con el aburrido tejido diario subiendo y bajando por el telar hasta desaparecer del entramado. Esas hilazas de colores vivos representan los acentos espontáneos que marcan la vida.

Las hojas de plata se asoman esplendorosas sobre las veladuras de óleo con tonos sobrios y profundos. Las hebras estresadas por el paso del tiempo, tensas como las cuerdas vocales de una antigua voz y deshilachadas de tanto vivir permanecen en el eterno telar de la vida esperando a que una vena de tela las ilumine como ese extrovertido hilo rojo.

La pintora recurre, en varias de sus obras, al tema de las apariciones y desapariciones de cordeles especiales que atraviesan el entrelazado emocional y vivencial de cada persona. “Urdimbre III” se exhibió en el Museo de Arte Moderno del Estado de México durante la exposición “Encuentros" en 2013.

Adriana Cantoral 

Título: Urdimbre III, Reflejo de luna

Medida: 120 cm 100 cm

Técnica: Mixta, óleo  sobre tela

Año:  2012     

Hermanas en Luna

¿Y la Luna?

En el pozo la guardaron.

Para que no la robasen.

en el pozo la guardaron

-como una onza en un bolso-

León Felipe

Cristina Arnedo y Liz Aldayturriaga se han hermanado en la serie “Hermanas en Luna” son dos mujeres, femeninas como la señora de la noche, que no se conocen físicamente, pero sí psíquica y emocionalmente, ya que ambas tienen la sensibilidad de percibir la luz de Luna en cualquiera de sus fases.

“Hermanas en Luna I” fue pintada con óleo sobre tela y hoja de plata. Los azules esparcidos por la obra entonan una melodía lunar suave y sutil. Ritmos horizontales y verticales se contraponen para armonizar la voz iluminada de la Luna. La artista imagina una canción tranquila y pausada del mismo modo que los primeros rayos de Luna se observan en el firmamento.

“Hermanas en Luna II” fue creada con acrílico sobre tela, hoja de plata y sílice para texturizar. Se trata de una Luna más madura que lleva un tiempo en el cielo nocturno y está acurrucada sobre un espejo de agua. Esa Luna les canta a las dos féminas.

La serie “Hermanas en Luna” nos lleva hacia el lado femenino contrastado con el azul Prusia, en algunas partes deslavado, en otras aceitado. Las pinceladas son livianas, “no hay abstracciones o figuras, solo manchas y colores” afirma la pintora. Las dos obras fueron hechas en torno al mismo tema y conforman un correlato que acerca espiritualmente a Liz y a Cristina. 

HERMANAS EN LUNA I

HERMANAS EN LUNA II

Cristina Arnedo y el eterno encuentro con el pincel, el lienzo y el color por Adriana Cantoral

La vida es una gama de colores

Cristina Arnedo

Según la artista y escritora Liliane Hoth, la obra de Cristina Arnedo, entre otras cosas, se inspira en la convocación silenciosa del cielo y el mar. Poco importa dónde comienza el primero y termina el segundo. La arena marina esparcida por el azul etéreo es una de las atmósferas de Cristina. La libertad líquida de la pintora se manifiesta en las texturas de rocas pulverizadas y los pigmentos del óleo y el acrílico.

Otra temática de Arnedo es el encuentro de las emociones y los sentimientos. Ella plasma retratos de almas con surcos trazados por otras almas, la artista explica que hay personas que delinean formas de manera indeleble en nuestra existencia, mientras que otras no dejan sombra ni color alguno en nuestro ser.

Los pinceles, lienzos y pintura son sus cómplices creativos. Ella dice “me apasiona el arte a la antigua, los olores y sensaciones, he experimentado soportes interesantes como el mármol y ahora quiero incursionar en el temple”. Para Arnedo las gamas forman parte de una exploración insaciable; los rojos, ocres y azules aparecen constantemente en su arte.

Cristina tiene la fortuna de haber presentado trabajo en Croacia en la Olimpiada de las Artes. Fue apadrinada por el maestro José Luis Cuevas. También participó en la VIII Bienal de arte de Florencia en 2011. Asimismo, ha exhibido en Agora Gallery de Nueva York, Nina Torres Fine Art y Museo de las Américas en Miami y el Museo de Arte Moderno del Estado de México que la recibió muy cálidamente dejándole las puertas abiertas. Desde 2005 ha tenido exposiciones individuales en el museo Joaquín Arcadio Pagaza en Valle de Bravo y la galería MANÁ Arte y Cultura Internacional de la Ciudad de México. Entre sus maestros destacan Liliane Hoth, Jerónimo Vázquez Melo, Raúl Navarro y Nunik Sauret.

Los cuadros de Arnedo relatan impresiones muy íntimas y psicológicas. Los tonos fríos son profundos como su mirada náutica, los tonos cálidos son afables y sensibles como su personalidad. Y lo más importante, busca la manera de señalar sutilmente la mexicanidad y captar lo inadvertido de la realidad. Cristina trabaja arduamente en su taller de la ciudad de México y es una reconocida artista local en Valle de Bravo.

Arnedo transmite en cada obra la cercanía o lejanía de las almas, aquello que las une y lo que las separa, al igual que los ciclos abiertos y cerrados. La versatilidad y talento le han permitido hacer esculturas e instalaciones incorporando ramas, piedras de colores e hilos develándole entramados de sus vivencias en retrospectiva y en prospectiva; nudos y tejidos suaves; luminosidad y penumbra.

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Adriana Cantora

Visual Art Week México 2015

Me gusta el arte popular, al aire libre y gratuito y me emociona y conmueve comprobar cuánta gente de esta ciudad asiste a disfrutar de eventos artísticos ya sean gratuitos o con un costo.  El pasado viernes 6 de febrero una vez más fui testigo  de largas filas de de gente, en su mayoría jóvenes,  esperando pacientemente para comprar su boleto de entrada al Museo Jumex para disfrutar de "Submergence", del colectivo ‪Squidsoup, único evento en espacio cerrado y con costo del todas las presentaciones de Visual Art Week México 2015.

Lo mismo ocurrió por la noche en las presentaciones al aire libre,  muchos asistentes observando y cuando era necesario, esperando turno para interactuar con la obras lumínicas.  Como todos los habitantes del D.F. sabemos, este invierno ha sido muy frío y el pasado viernes no fue la excepción pero la baja temperatura no impidió que las calles que rodean a el Palacio de Bellas Artes y La Alameda Central  estuvieran llenas de personas paseando, jóvenes, adultos, parejas, familias, todos disfrutando del paseo nocturno y de la oportunidad de disfrutar, observar e interactuar con las obras presentadas durante VAW 2015.

Aprovechando el paseo nocturno por el centro de la ciudad después de ver todo lo presentado por VAG fui al Monumento a la Revolución que por la noche e iluminado se ve realmente espectacular.

El monumento cuenta con un elevador para apreciar la iluminación y remodelación de uno de los símbolos de la ciudad. Desafortunadamente a la hora en que yo fui las fuentes ya estaban apagadas pero pronto volveré porque sé que tanto la fuentes como su iluminación nocturna son un espectáculo muy recomendable.

Espero que en este año declarado por la UNESCO  “Año de la luz y las tecnologías basadas en ella”, podamos disfrutar de muchos más eventos como VAW y que los grandes y magníficos espacios públicos de esta ciudad sigan siendo aprovechadas para traer espectáculos y obras artísticas de calidad,  gratuitas y para todos.

Estas son algunas de las obras que se presentaron en diferentes espacios públicas de la Ciudad de México:

Potted Palm (Glorieta de la Palma)

La emblemática glorieta fue intervenida por el colectivo fránces Visual System, una pieza diseñada especialmente para la edición 2015 del festival VAW.

La intervención a nivel arquitectónica/ lumínico contaba con programación de movimientos y ritmos.

Marentus (Plaza Rio de Janeiro, Colonia Roma)

Una propuesta de estructura octogonal a cargo de Peak Time Lab (México) donde las personas interactúan con movimientos corporales y toques en una pantalla en los módulos ubicados en las caras de la pieza, para generar una melodía y respuestas visuales.

20 Artistas (Hemiciclo Juárez)

Dieciocho artistas visuales, nueve nacionales y nueve internacionales presentaron sus propuestas en este espacio público. Diferentes videos se mostraron en una gran pantalla de manera continua, pudimos ser testigos de un recorrido audiovisual con la visión de diversos artistas contemporáneos que han nutrido tanto el Video Arte como la Cultura Digital.

Wide/Side (Atrio de San Francisco)

La explanada del Atrio de San Francisco alojó WIDE/SIDE, obra del artista portugués João Martinho Moura. Creada especialmente para VAW 2015, WIDE/SIDE es una escultura interactiva en la cual intervienen forma, imagen y sonido. La pieza a través de un kinect registra los movimientos de las personas directamente frente a ella y los distorsiona y replica con múltiples efectos audiovisuales.

Control no control (Explanada de Bellas Artes)

Es una pieza que el  artista Daniel Iregui, nacido en Colombia y residente de Canadá presenta este 2015 en el Palacio de Bellas Artes.  La única manera de controlar la obra es descontrolarse completamente.

“Control no control” invita a las personas a que brinquen, bailen y se contorsionen frente a dos grandes pantallas, haciéndolas cómplices activos de la pieza.

Les comparto mi experiencia VAW en imágenes, un álbum de luz http://on.fb.me/1DhZyRN

Un año de luz, Visual Art Week 2015

La luz ha jugado un papel elemental en el desarrollo de la humanidad y ha marcado la historia en todo aspecto, pasando por la cultura y su representación. La luz está cada día presente, como una nueva esperanza y oportunidad, y este año la Asamblea General de las Naciones Unidas, declaró el 2015 Año Internacional de la Luz y las Tecnologías Basadas en la Luz.

El arte evoluciona y representa este desarrollo y avance tecnológico, como parte de nuestra identidad cultural. Del 3 al 8 de febrero varios espacios y monumentos emblemáticos de la Ciudad de México se llenarán de luz con las múltiples presentaciones y obras de Visual Art Week 2015.

VAW, el festival interdisciplinario, incluyente y vanguardista  forma parte del calendario oficial de actividades de la ONU y UNESCO dentro del marco de los festejos de “El Año de la Luz y las Tecnologías Basadas en Ella”.  Este evento une el arte, tecnología y espacio público y propone difundir a una nueva generación de artistas audiovisuales nacionales e internacionales.
Para los organizadores de VAW, la creatividad, innovación, apertura y luz, son los elementos complementarios que dotan con una identidad única a este evento.

Visual Art Week nos brinda la oportunidad y reflexión creando un activo circuito de innovación, con talleres, instalaciones interactivas, intervenciones urbanas de video mapping  e instalaciones lumínicas.

¿Cuál es la propuesta de VAW?

Los organizadores proponen reimaginar la ciudad por medio de intervenciones técnicas y tecnológicas. Buscan crear un festival que invite a la interacción entre artistas internacionales, locales y un público que quiere innovar y conocer.

Un Año Internacional de la Luz, es una tremenda oportunidad para asegurarse de que los responsables políticos y los interesados, son conscientes del potencial de resolución de problemas de la tecnología de la luz. Ahora tenemos una oportunidad única para aumentar la conciencia global de este.

John Dudley, presidente del Comité Directivo

Imágenes obtenidas de visualartweek.mx

Por medio de una exposición colectiva de 18 artistas (9 internacionales y 9 nacionales) ubicada en las calles de la Ciudad de México, para que los transeúntes conozcan sus obras de forma gratuita.

No podemos esperar para ver espacios como La Alameda, el Atrio de San Francisco, Museo Jumex, la Plaza de Río de Janeiro o Bellas Artes transformados en un punto de encuentro artístico y tecnológico.

Para conocer las actividades y talleres consulta la página oficial de VAW http://visualartweek.mx/

Una corona de Navidad

Una corona de adviento, un círculo, forma perfecta y símbolo de un ciclo terminado, otro año que termina con todo lo vivido en él. Hubo de todo, proyectos, esfuerzo, satisfacciones, logros, tropiezos. Separaciones y pérdidas muy dolorosas, tristeza, lecciones, paz y mucha alegría. Afortunadamente para mí, el balance es muy positivo y las alegrías superaron por mucho a las penas.

Todo fin de ciclo marca el comienzo de uno nuevo y para el año que pronto comenzará, deseo de todo corazón, luz, abundancia, amor y felicidad a todos. Que todos nuestros proyectos y sueños se cumplan y que la paz reine en nuestros corazones y en mi país, tan necesitado de solidaridad y justicia.

Sólo me queda agradecer profundamente a todas las personas, amigos y familia que me han acompañado este año que termina, por su apoyo, sabiduría, cariño y amor sin los cuáles nada sería igual. Los que ya partieron permanecen en nuestros corazones para siempre y su luz nos seguirá acompañando mientras los mantengamos en el corazón .

Que la paz y dulzura de la Navidad perduren todo el año y que el 2015 llegue para todos lleno de amor y felicidad.

Autor: Cristina Arnedo

Técnica: Mixta, alambre recocido, mármol, óleo,hoja de oro y hojas de Liquidámbar.

Año: 2014 

“Cy Twombly: Paradise”

Visitar el Museo Jumex es siempre una experiencia interesante y si además tenemos oportunidad de disfrutar de la obra de Cy Twombly, la experiencia es fantástica. Por primera vez en Latinoamérica se presenta la obra de uno de los artistas más importantes de la posguerra, Cy Twombly.  El público en México,  puede apreciar la obra del artista estadounidense que  ganó el reconocimiento mundial al presentarse en la Bienal de Venecia en 1968 y en grandes e importantes espacios como el MoMA de Nueva York y la galería Tate Modern de Londres.

Una exposición organizada por Fundación Jumex Arte Contemporáneo y planeada por más de 5 años por los curadores Julie Sylvester y Philip Larratt-Smith, la muestra presenta más de sesenta pinturas, obras en papel y  seis esculturas que van de 1951 a 2011, año en que murió Cy Twombly.

Un trabajo que no vio concluido el artista pero después de largo tiempo de preparación Fundación Jumex  logra presentar y  reunir las piezas de importantes colecciones como la Cy Twombly Foundation, la Colección Jumex, la Broad Art Foundation, la Menil Collection, el Whitney Museum of American Art y otras distinguidas colecciones privadas.

El museo Jumex  busca presentar en la exposición Paradise una perspectiva original de los misterios y revelaciones de la obra de Twombly. La obras reflejan los temas universales que lo rodeaban: el amor, el arte, la belleza y las muerte, y aún al ser temas tan universales su visión artística y perspectiva única del mundo, las hace originales.

La muestra es una visión global de la evolución de su trabajo y refleja dos períodos de su vida: el principio y el fin.

Dividido en dos secciones del museo, la primera sección muestra el desarrollo de su propio estilo, la incorporación de técnicas como el gis, lápiz y el texto en sus composiciones.

En la Galería 3, vemos la segunda faceta, donde se presentan obras tardías como la serie de rosas y pinturas que realizó cuando vivía en Italia, donde es notable la influencia de la literatura clásica y mitología.

Un artista duramente criticado e incomprendido en los cincuenta y sesenta pero cuyo expresionismo abstracto influyó  y hoy es considerado continuadote del arte e impulsor de artitas desde Jean-Michel Basquiat hasta Oscar Murillo.

Un exposición de primer nivel que brindará al público mexicano una perspectiva renovada del expresionismo abstracto hasta el 12 de octubre de este año.

Más información: http://fundacionjumex.org/explora/exposicion/cy-twombly-paradise

Dirección:  Miguel Cervantes Saavedra 303, Ampliación Granada, delegación Miguel Hidalgo