Dale Chihuly, CHIHULY GARDEN AND GLASS

Durante el pasado octubre por primera vez viajé a Seattle, WA y además de conocer una ciudad que me gustó mucho pude por fin visitar la galería de Dale Chihuly,  CHIHULY  GARDEN AND GLASS.  La visita superó todas mis expectativas, hace tiempo no salía tan gratamente impresionada de una exhibición no solo por la obra en sí de Chihuly, que es extraordinaria, también el lugar, la museografía y el ambiente general logrado son impactantes, como entrar a un mundo mágico de color, belleza y fragilidad. Tuve además la suerte de entrar a la galería por la tarde, con una hora escasa antes de la puesta del sol, así que puede ver y disfrutar el jardín todavía con un poco de luz solar y después ya en la noche, solo con la iluminación del lugar que desde luego está planeada y hecha para que cada pieza luzca de manera especial. Para la exhibición en interior cualquier hora del día es buena porque todas las salas son obscuras y solo las piezas expuestas están iluminadas de manera espectacular. 

La obra de Chihuly está presente en muchos museos del mundo, lo mismo que sus instalaciones, en su página http://www.chihuly.com/ pueden  obtener toda la información necesaria y si algún día van a Seattle, no dejen de visitar CHIHULY GARDEN AND GLASS http://www.chihulygardenandglass.com/  Espero que disfruten la exhibición tanto como yo lo hice y por mi cuenta si vuelvo a Seattle, la visita a esta maravillosa galería está asegurada.

¿Quién es Dale Chihuly?

El artista nacido en Tacoma, Washington estudió en la estudió en la universidad de Wisconsin y en el Rhode Island School of Design, y ha colaborado con el centro para el estudio del vidrio en Washington State.

Estudió Interiorismo, arquitectura y vidrio soplado, cuenta con un Máster of Fine Arts y es el primer soplador americano en trabajar en la Fábrica Venini en la isla de Murano. En 1971 fundó la escuela de vidrio de Pilchuck junto con otros artistas de vidrio.

Chihuly es también conocido por sus programas educativos, sus centros de investigación y su interés por las plantas. Perdió la visión en uno de sus ojos debido a un accidente en 1976, como consecuencia también perdió la percepción de la profundidad, necesaria para manejar el vidrio fundido, por lo tanto cuenta con una técnica especial y equipo que lo apoya en la producción de sus obras.

Con más de 200 colecciones en diferentes ciudades del mundo, ha recibido diferentes premios, galardone  y 12 doctorados honorarios. 

¿Qué lo inspira?

 Entre sus temas abundan las flores, las barcazas y las formas marinas. El estudio de 2,300 m2 es conocido como “The Boathouse”, es famoso por sus reproducciones y uso.

Algunas de sus exhibiciones son “Cylinders” y “Baskets” en los 70s, “Seaforms”, “Macchia”, “Venetians” y “Persians” en los 80s, “Niijima Floats” y “Chandeliers” 1990 y  Fjori en el 2000.

En 1999, Chihuly presenta una de sus más grandes instalaciones en el Museo de la Torre de David en Israel, recibiendo más 1 millón de visitantes.

Dejo un álbum de fotos de mi visita y algunos enlaces a videos que muestran la obra del maestro Chihuly, algunas instalaciones, dibujo y sobretodo su extraordinario proceso creativo.

 

 

 

 

 

Así es Michoacán - Día de muertos en Janitzio

Amor por México
 
Así es Michoacán - Día de muertos en Janitzio
 
El aroma de la flor de cempasúchil tradicional en esta festividad, se aprecia en todo el lugar. Checa el video en el siguiente link:

 

https://www.facebook.com/200575850143849/videos/502066553328109/?pnref=story

Hilos luminosos

“Necesito del mar porque me enseña” Pablo Neruda

El polvo de los pigmentos minerales y vegetales que con otras sustancias se convierte en óleo vuelve a su estado natural en “Hilos luminosos”, pues si bien Cristina utiliza pintura y otros elementos en la obra, el resultado final aparenta ser un espacio arenoso con surcos antiguos. Como si se tratara de una bahía por donde han caminado infinitas historias. Las estelas de la arenilla se hacen visibles con la sal marina y los componentes del agua ancestral.

El mar, en su frecuente vaivén, pacientemente va revelando los hilos argumentativos de los personajes que alguna vez los vivieron. Cristina en calidad de artista, pero sobre todo de observadora sensible ve destellos en estas marcas de la arena, porque en un pasado tuvieron uniones y separaciones que hoy por hoy siguen brillando, pese al paso de los años. Para que exista la luz en los pequeños filamentos de la playa es necesario que el océano se agite de emociones diversas y las infunda sobre la arena.

Por Adriana Cantoral 

 

Líridas de Abril

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Las finas partículas interestelares tocan con las puntas de los pies, en silencio, los cielos de la Tierra. En esta obra, Cristina Arnedo levanta la mirada, a la par que los pinceles, para pintar el manto celeste alterado por las diminutas arenas galácticas. El Dr. Atl, postulaba el aeropaisaje y cosmopaisaje como una manera de acceder a la totalidad del universo. Él aclaraba que su tiempo correspondía al del aeropaisaje, pero que no descartaba ir más allá. De tal modo, la obra “Líridas de Abril” parece un ensayo en honor a las inquietudes intelectuales y artísticas del maestro Gerardo Murillo.

La artista se basa en las apariciones de seres lejanos que acarician la noche. El hilo conductor de muchos de sus cuadros es el estar y el no estar. En “Líridas de Abril” los meteoros son sigilosos protagonistas junto con la luz que permea la oscuridad. El espectáculo nocturno es breve, pero con infinitos encuentros y desencuentros de polvo cósmico. Cristina nos sensibiliza ante esta situación de descubrimiento y misterio con los otros, una dualidad que al colisionarse produce granos de arena análogos al tiempo transcurrido entre las convergencias y las divergencias de los seres.

Adriana Cantoral 

XSA por Adriana Cantoral

¿Cómo se podría representar el interior de un corazón palpitando desde el punto de vista afectivo? Cristina lo imagina detalladamente en cada una de sus paredes que laten y conducen la sangre del amor, la intensidad y la fuerza por todo el ser. La pintora se introduce en un corazón inquieto, vigoroso, noble, lleno de energía y a la vez tímido, tierno, prudente, introvertido y reservado. Desde este núcleo salen los sentimientos más alegres y pasionales. A veces fugaces, a veces duraderos, a veces contradictorios.

“XSA dentro de su corazón” alude a un corazón visto desde muy cerca hasta poder tocarlo y sentirlo. La perspectiva es alargada para poder percibir la vida que lo recorre y lo cambia de forma constantemente, ya que un corazón no necesariamente tiene figura de corazón, al contrario, es un órgano que se adecúa al estado de ánimo de la persona. Ningún corazón es igual a otro, ni siquiera éste adopta la misma silueta que alguna vez tuvo. Por ello, Cristina extiende sus rojos repasando los recovecos emocionales de un, aparente, músculo más del cuerpo.

La obra refleja la confluencia de los afluentes y torrentes emotivos. Hay un orden y un desorden en cada segundo, por el corazón dan vueltas infinitas los sentires y pensamientos del ser. En este lugar la sangre se compone de sensaciones excepcionales y anacrónicas.

Adriana Cantoral

Título: XSA, Dentro,de su Corazón

Técnica: Mixta, óleo sobre tel

Medida: 80 cm x 120 cm 

Trama y Urdimbre

La vida está formada por ciclos,

aunque en realidad se entrelazan

y todo encuentro es en sí mismo

un ciclo y muchos ciclos comienzan

por un encuentro.

Cristina Arnedo

La relación entre los ciclos, los encuentros y los duelos no sigue un proceso lineal en la vida. Todos llevamos en el alma encuentros que no se pueden perder en la memoria, y vuelven una y otra vez al presente, o ciclos inconclusos. En ocasiones un encuentro nuevo es suficiente para finalizar algunos ciclos para siempre. Otras veces, un duelo desata ciclos y encuentros actuales. No hay un orden lógico para los ciclos, encuentros y duelos, éstos dependen del tiempo del espíritu.

En esta obra Cristina nos comparte las presencias silenciosas que la acompañan en su labor creativa; materiales que están en sus obras, pero no son visibles, tales como resinas y minerales, entre otros. Las tramas naturales de las ramas representan los accidentados caminos de los ciclos, encuentros y duelos. Es sin duda, una pieza donde la artista pone al desnudo sus miedos, amores, alegrías y tristezas de una forma bella y estética.

Bruma matinal por Adriana Cantoral

Esas penas y esas alegrías vienen embozadas en

una inmensa niebla de pequeños incidentes.

y la vida es esto, la niebla. La vida es una nebulosa.

Miguel de Unamuno, Niebla

Bruma entre un estado mental y otro. Bruma entre las emociones y los sentimientos. Bruma matinal incluye todas las transiciones anímicas y sensibles que se viven al despertar. Este levantar de la conciencia vislumbra lo más claro y puro. En la obra, Cristina nos muestra la primera impresión al abrir los ojos. La neblina de Arnedo no esconde nada, detrás de ella no hay más que niebla y más niebla.

La bruma no confunde tampoco, sino que te envuelve en su levedad para conectarte con la luminosidad que no molesta la vista. Un deslumbramiento tan tenue que se difumina con la nubosidad. La artista mantiene la luz en lugares que tranquilizan al ser. Asimismo, la transparencia es muy profunda como si se pudiera permanecer dentro del cuadro rodeado de nubes en las primeras horas del día.

Bruma matinal es el vapor que toca al cuerpo, el aliento que mueve a las emociones, el soplo que cambia los sentimientos y la respiración que agita la mente. 

Encuentros II por Adriana Cantoral

En “Encuentros II” Cristina Arnedo nos evoca el tono de la piel conformado por el polvo primigenio divino, en este caso, marmolina clara entre mezclada con veladuras de óleo. La artista posee la paciencia de ir haciendo las capas dérmicas, destacando varias heridas juntas. Las distintas cicatrices se superponen unas encima de otras y cruzan sus bordes.

La piel es testimonio de las vivencias emocionales y pasionales. La pintora nos muestra diversas marcas; azules que alguna vez representaron tristeza, magentas que implicaron alegría, verdes que simbolizaron esperanza y amarillos que depuran la vida. Es inevitable no albergar señales en el cuerpo.

Observar la piel y reconocer las cicatrices, así como sus colores y formas, implica un modo de autoconocimiento, pues éstas conllevan un vasto significado a través del tiempo. Las heridas pueden permanecer en la superficie, pero su profundidad dependerá de cada persona y de su manera de percibir y asimilar los sentimientos.

Cristina Arnedo devela el poder de los rastros de la piel, los cuales suelen esconderse por no ser estéticos, sin embargo, ellos pintan en el ser la belleza y la plenitud de sentir intensamente la vida. Las heridas que plasma la creadora no están cauterizadas, están vivas y son sensibles al encuentro con uno mismo.

Adriana Cantoral

Urdimbre III por Adriana Cantoral

La voz del extravío, espesa urdimbre
que la luna evapora, soy la sombra
y la sed, soy la lengua y no sabría
de qué modo se escriben los poemas.

Aurelio Asiain

Un hilo rojo se desliza por la pesada y opaca urdimbre de la vida dejando una estela invisible de palabras tal como lo describe Asiain. En esta obra, Cristina Arnedo nos hace reflexionar sobre los brillantes filamentos fugaces que intentan hilvanarse con el aburrido tejido diario subiendo y bajando por el telar hasta desaparecer del entramado. Esas hilazas de colores vivos representan los acentos espontáneos que marcan la vida.

Las hojas de plata se asoman esplendorosas sobre las veladuras de óleo con tonos sobrios y profundos. Las hebras estresadas por el paso del tiempo, tensas como las cuerdas vocales de una antigua voz y deshilachadas de tanto vivir permanecen en el eterno telar de la vida esperando a que una vena de tela las ilumine como ese extrovertido hilo rojo.

La pintora recurre, en varias de sus obras, al tema de las apariciones y desapariciones de cordeles especiales que atraviesan el entrelazado emocional y vivencial de cada persona. “Urdimbre III” se exhibió en el Museo de Arte Moderno del Estado de México durante la exposición “Encuentros" en 2013.

Adriana Cantoral 

Título: Urdimbre III, Reflejo de luna

Medida: 120 cm 100 cm

Técnica: Mixta, óleo  sobre tela

Año:  2012     

Hermanas en Luna

¿Y la Luna?

En el pozo la guardaron.

Para que no la robasen.

en el pozo la guardaron

-como una onza en un bolso-

León Felipe

Cristina Arnedo y Liz Aldayturriaga se han hermanado en la serie “Hermanas en Luna” son dos mujeres, femeninas como la señora de la noche, que no se conocen físicamente, pero sí psíquica y emocionalmente, ya que ambas tienen la sensibilidad de percibir la luz de Luna en cualquiera de sus fases.

“Hermanas en Luna I” fue pintada con óleo sobre tela y hoja de plata. Los azules esparcidos por la obra entonan una melodía lunar suave y sutil. Ritmos horizontales y verticales se contraponen para armonizar la voz iluminada de la Luna. La artista imagina una canción tranquila y pausada del mismo modo que los primeros rayos de Luna se observan en el firmamento.

“Hermanas en Luna II” fue creada con acrílico sobre tela, hoja de plata y sílice para texturizar. Se trata de una Luna más madura que lleva un tiempo en el cielo nocturno y está acurrucada sobre un espejo de agua. Esa Luna les canta a las dos féminas.

La serie “Hermanas en Luna” nos lleva hacia el lado femenino contrastado con el azul Prusia, en algunas partes deslavado, en otras aceitado. Las pinceladas son livianas, “no hay abstracciones o figuras, solo manchas y colores” afirma la pintora. Las dos obras fueron hechas en torno al mismo tema y conforman un correlato que acerca espiritualmente a Liz y a Cristina. 

HERMANAS EN LUNA I

HERMANAS EN LUNA II

Cristina Arnedo y el eterno encuentro con el pincel, el lienzo y el color por Adriana Cantoral

La vida es una gama de colores

Cristina Arnedo

Según la artista y escritora Liliane Hoth, la obra de Cristina Arnedo, entre otras cosas, se inspira en la convocación silenciosa del cielo y el mar. Poco importa dónde comienza el primero y termina el segundo. La arena marina esparcida por el azul etéreo es una de las atmósferas de Cristina. La libertad líquida de la pintora se manifiesta en las texturas de rocas pulverizadas y los pigmentos del óleo y el acrílico.

Otra temática de Arnedo es el encuentro de las emociones y los sentimientos. Ella plasma retratos de almas con surcos trazados por otras almas, la artista explica que hay personas que delinean formas de manera indeleble en nuestra existencia, mientras que otras no dejan sombra ni color alguno en nuestro ser.

Los pinceles, lienzos y pintura son sus cómplices creativos. Ella dice “me apasiona el arte a la antigua, los olores y sensaciones, he experimentado soportes interesantes como el mármol y ahora quiero incursionar en el temple”. Para Arnedo las gamas forman parte de una exploración insaciable; los rojos, ocres y azules aparecen constantemente en su arte.

Cristina tiene la fortuna de haber presentado trabajo en Croacia en la Olimpiada de las Artes. Fue apadrinada por el maestro José Luis Cuevas. También participó en la VIII Bienal de arte de Florencia en 2011. Asimismo, ha exhibido en Agora Gallery de Nueva York, Nina Torres Fine Art y Museo de las Américas en Miami y el Museo de Arte Moderno del Estado de México que la recibió muy cálidamente dejándole las puertas abiertas. Desde 2005 ha tenido exposiciones individuales en el museo Joaquín Arcadio Pagaza en Valle de Bravo y la galería MANÁ Arte y Cultura Internacional de la Ciudad de México. Entre sus maestros destacan Liliane Hoth, Jerónimo Vázquez Melo, Raúl Navarro y Nunik Sauret.

Los cuadros de Arnedo relatan impresiones muy íntimas y psicológicas. Los tonos fríos son profundos como su mirada náutica, los tonos cálidos son afables y sensibles como su personalidad. Y lo más importante, busca la manera de señalar sutilmente la mexicanidad y captar lo inadvertido de la realidad. Cristina trabaja arduamente en su taller de la ciudad de México y es una reconocida artista local en Valle de Bravo.

Arnedo transmite en cada obra la cercanía o lejanía de las almas, aquello que las une y lo que las separa, al igual que los ciclos abiertos y cerrados. La versatilidad y talento le han permitido hacer esculturas e instalaciones incorporando ramas, piedras de colores e hilos develándole entramados de sus vivencias en retrospectiva y en prospectiva; nudos y tejidos suaves; luminosidad y penumbra.

www.arte-arnedo.com 

Adriana Cantora

Liu Bolin y su Camuflaje en México

La Ciudad de México vive un año intenso en el ámbito del arte y también ha sido testigo de visitas extraordinarias como el del artista y fotógrafo de origen chino Liu Bolin, quién exhibe su muestra “Camuflaje” en la Galería Oscar Román y en el Hotel Presidente Intercontinental.

Además de presentar dos performances (20 y 28 de enero) realiza una exposición que comprende piezas escultóricas y una serie fotográfica que  permanecerá hasta el 20 de marzo dividida entre la mencionada Galería Oscar Román y el Hotel Presidente Intercontinental.

Un performance con inspiración social

La realización de un performance puede tomar hasta 10 horas. Con la ayuda de asistentes, Bolin se coloca en escena con  su cuerpo vestido para que coincida con una parte del fondo elegido. Antes de fotografiarse a sí mismo dentro de la escena, tiene que haberse obtenido un camuflaje perfecto con los objetos y paisaje  y el fondo.

Cada sitio elegido por Bolin para realizar su camuflaje tiene un sentido especial, como un espacio histórico o citadino y tiene un significado o sugiere un cambio social. El artista busca establecer un diálogo con quienes habitan esos lugares,  lograr cierta identificación con sus espectadores y que formen parte del paisaje urbano. Por ejemplo los fondos donde se  aprecian símbolos de la Revolución Cultural de China donde plasma la situación en ese país desde la caída del régimen de Mao Zedong

Bolin es conocido por presentar imágenes y paisajes urbanos llenos de color, con símbolos de protesta dentro de los que él se mimetiza y hace invisible. Para el artista chino el arte suele transmitir sensaciones únicas y por medio del color, formas y trazos cada pieza es única e irrepetible.

Lui forma parte de una generación de artistas que presenciaron la liberación de China y los cambios desencadenados, propone una crítica al Estado y expone los excesos del poder del gobierno y las carencias de la sociedad.

“Mi trabajo no puede ser calificado como político o disidente; yo lo hago sólo porque lo siento, si alguien lo ve como político es libre su percepción, pero no es la intención que yo tengo. Yo elijo los lugares que me afectan, que tocan mis emociones” Liu Bolin

Su formación comenzó en el Instituto de Artes de Shandong, para después estudiar una maestría en Escultura de la Academia Central de Bellas Artes de Pekín.

Ha expuesto en numerosas galerías y salas de museos de países como China, Alemania, Francia, Suiza, España, Ucrania y Estados Unidos, y este año llegó a Latinoamérica, primero en Caracas, Venezuela y a finales de enero a México.

Tuve la fortuna de poder asistir al performance el pasado día 28 en el Hotel Intercontinental y fue una experiencia realmente inolvidable y enriquecedora. En esta ocasión Bolin decidió hacer un homenaje a las máscaras aztecas, eligió un tema muy mexicano y actual, la lucha y los luchadores, y como fondo para la foto preparó una pared con 347 máscaras de luchadores mexicanos, todas auténticas. Las máscaras forman parte de la colección de Christian Cymet, coleccionista y aficionado que durante 30 años ha reunido más de 1,300 máscaras.

La ropa que utilizó Bolin durante el perfomance ya había sido pintada por artistas mexicanos antes de iniciar y lo que pudimos ver en vivo fue la fase final de la preparación, la aplicación de la pintura  en la cara del artista para la foto definitiva.

Realmente fue muy interesante presenciar como poco a poco Bolin se mimetizaba hasta quedar completamente perdido en el fondo. La foto final,  propiedad del artista, tomada totalmente de frente será presentada más adelante y en  esa toma dónde realmente se puede apreciar el camuflaje total.

Además de posar, Bolin está constantemente involucrado en el proceso y revisando la pantalla de la computadora que le muestra la imagen para la foto.

Para completar el tema de las luchas los invitados especiales fueron  unos luchadores mexicanos reales y muy conocidos; Tinieblas, Huracán Ramírez Jr., Tinieblas Jr., Marabunta Jr., y el Ángel del Amor, desde luego acompañados por el Aluche, mítico personaje maya que acompaña siempre a Tinieblas.

Dónde

Galería Oscar Román (Julio Verne 14, Polanco Miguel Hidalgo, Ciudad de México).

Lobby Hotel Presidente Intercontinental

Más información:

http://www.galeriaoscarroman.mx/

liubolinart.com 

Visual Art Week México 2015

Me gusta el arte popular, al aire libre y gratuito y me emociona y conmueve comprobar cuánta gente de esta ciudad asiste a disfrutar de eventos artísticos ya sean gratuitos o con un costo.  El pasado viernes 6 de febrero una vez más fui testigo  de largas filas de de gente, en su mayoría jóvenes,  esperando pacientemente para comprar su boleto de entrada al Museo Jumex para disfrutar de "Submergence", del colectivo ‪Squidsoup, único evento en espacio cerrado y con costo del todas las presentaciones de Visual Art Week México 2015.

Lo mismo ocurrió por la noche en las presentaciones al aire libre,  muchos asistentes observando y cuando era necesario, esperando turno para interactuar con la obras lumínicas.  Como todos los habitantes del D.F. sabemos, este invierno ha sido muy frío y el pasado viernes no fue la excepción pero la baja temperatura no impidió que las calles que rodean a el Palacio de Bellas Artes y La Alameda Central  estuvieran llenas de personas paseando, jóvenes, adultos, parejas, familias, todos disfrutando del paseo nocturno y de la oportunidad de disfrutar, observar e interactuar con las obras presentadas durante VAW 2015.

Aprovechando el paseo nocturno por el centro de la ciudad después de ver todo lo presentado por VAG fui al Monumento a la Revolución que por la noche e iluminado se ve realmente espectacular.

El monumento cuenta con un elevador para apreciar la iluminación y remodelación de uno de los símbolos de la ciudad. Desafortunadamente a la hora en que yo fui las fuentes ya estaban apagadas pero pronto volveré porque sé que tanto la fuentes como su iluminación nocturna son un espectáculo muy recomendable.

Espero que en este año declarado por la UNESCO  “Año de la luz y las tecnologías basadas en ella”, podamos disfrutar de muchos más eventos como VAW y que los grandes y magníficos espacios públicos de esta ciudad sigan siendo aprovechadas para traer espectáculos y obras artísticas de calidad,  gratuitas y para todos.

Estas son algunas de las obras que se presentaron en diferentes espacios públicas de la Ciudad de México:

Potted Palm (Glorieta de la Palma)

La emblemática glorieta fue intervenida por el colectivo fránces Visual System, una pieza diseñada especialmente para la edición 2015 del festival VAW.

La intervención a nivel arquitectónica/ lumínico contaba con programación de movimientos y ritmos.

Marentus (Plaza Rio de Janeiro, Colonia Roma)

Una propuesta de estructura octogonal a cargo de Peak Time Lab (México) donde las personas interactúan con movimientos corporales y toques en una pantalla en los módulos ubicados en las caras de la pieza, para generar una melodía y respuestas visuales.

20 Artistas (Hemiciclo Juárez)

Dieciocho artistas visuales, nueve nacionales y nueve internacionales presentaron sus propuestas en este espacio público. Diferentes videos se mostraron en una gran pantalla de manera continua, pudimos ser testigos de un recorrido audiovisual con la visión de diversos artistas contemporáneos que han nutrido tanto el Video Arte como la Cultura Digital.

Wide/Side (Atrio de San Francisco)

La explanada del Atrio de San Francisco alojó WIDE/SIDE, obra del artista portugués João Martinho Moura. Creada especialmente para VAW 2015, WIDE/SIDE es una escultura interactiva en la cual intervienen forma, imagen y sonido. La pieza a través de un kinect registra los movimientos de las personas directamente frente a ella y los distorsiona y replica con múltiples efectos audiovisuales.

Control no control (Explanada de Bellas Artes)

Es una pieza que el  artista Daniel Iregui, nacido en Colombia y residente de Canadá presenta este 2015 en el Palacio de Bellas Artes.  La única manera de controlar la obra es descontrolarse completamente.

“Control no control” invita a las personas a que brinquen, bailen y se contorsionen frente a dos grandes pantallas, haciéndolas cómplices activos de la pieza.

Les comparto mi experiencia VAW en imágenes, un álbum de luz http://on.fb.me/1DhZyRN

Un año de luz, Visual Art Week 2015

La luz ha jugado un papel elemental en el desarrollo de la humanidad y ha marcado la historia en todo aspecto, pasando por la cultura y su representación. La luz está cada día presente, como una nueva esperanza y oportunidad, y este año la Asamblea General de las Naciones Unidas, declaró el 2015 Año Internacional de la Luz y las Tecnologías Basadas en la Luz.

El arte evoluciona y representa este desarrollo y avance tecnológico, como parte de nuestra identidad cultural. Del 3 al 8 de febrero varios espacios y monumentos emblemáticos de la Ciudad de México se llenarán de luz con las múltiples presentaciones y obras de Visual Art Week 2015.

VAW, el festival interdisciplinario, incluyente y vanguardista  forma parte del calendario oficial de actividades de la ONU y UNESCO dentro del marco de los festejos de “El Año de la Luz y las Tecnologías Basadas en Ella”.  Este evento une el arte, tecnología y espacio público y propone difundir a una nueva generación de artistas audiovisuales nacionales e internacionales.
Para los organizadores de VAW, la creatividad, innovación, apertura y luz, son los elementos complementarios que dotan con una identidad única a este evento.

Visual Art Week nos brinda la oportunidad y reflexión creando un activo circuito de innovación, con talleres, instalaciones interactivas, intervenciones urbanas de video mapping  e instalaciones lumínicas.

¿Cuál es la propuesta de VAW?

Los organizadores proponen reimaginar la ciudad por medio de intervenciones técnicas y tecnológicas. Buscan crear un festival que invite a la interacción entre artistas internacionales, locales y un público que quiere innovar y conocer.

Un Año Internacional de la Luz, es una tremenda oportunidad para asegurarse de que los responsables políticos y los interesados, son conscientes del potencial de resolución de problemas de la tecnología de la luz. Ahora tenemos una oportunidad única para aumentar la conciencia global de este.

John Dudley, presidente del Comité Directivo

Imágenes obtenidas de visualartweek.mx

Por medio de una exposición colectiva de 18 artistas (9 internacionales y 9 nacionales) ubicada en las calles de la Ciudad de México, para que los transeúntes conozcan sus obras de forma gratuita.

No podemos esperar para ver espacios como La Alameda, el Atrio de San Francisco, Museo Jumex, la Plaza de Río de Janeiro o Bellas Artes transformados en un punto de encuentro artístico y tecnológico.

Para conocer las actividades y talleres consulta la página oficial de VAW http://visualartweek.mx/